{"id":6237,"date":"2024-08-13T12:24:59","date_gmt":"2024-08-13T12:24:59","guid":{"rendered":"https:\/\/www.ilpensierocattolico.it\/new\/?p=6237"},"modified":"2024-08-13T17:24:24","modified_gmt":"2024-08-13T17:24:24","slug":"giorgio-esposito-perche-la-nostra-epoca-non-ha-generato-unarte-nuova","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.ilpensierocattolico.it\/new\/giorgio-esposito-perche-la-nostra-epoca-non-ha-generato-unarte-nuova\/","title":{"rendered":"Giorgio Esposito: Perch\u00e8 la nostra epoca non ha generato un’arte nuova"},"content":{"rendered":"\t\t
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Giorgio Esposito<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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PERCH\u00c9 LA NOSTRA EPOCA NON HA\nGENERATO UN'ARTE NUOVA \n<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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L’arte della nostra epoca si distingue radicalmente da quella delle epoche passate, spinta da un imperativo incessante di creare qualcosa di nuovo a tutti i costi. Questo fervente desiderio di innovazione \u00e8 testimoniato dall’incessante susseguirsi di tendenze, stili, correnti e sperimentazioni. Ma quali sono le motivazioni profonde dietro questo comportamento anomalo?<\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Esso nasce da una\nvisione distorta che impone all’arte di essere al passo con i tempi, relegandola a un ruolo\nsecondario, privata della sua nobile altezza: quello di mero registratore o specchio di un’epoca. Una\ndomanda inevitabile sorge spontanea: se oggi l’arte, la filosofia e persino la religione devono\nlimitarsi a riflettere e adeguarsi ai tempi, chi dunque ha il potere e la responsabilit\u00e0 di determinarli,\ndi guidarli e di plasmarli?

\nParadossalmente, sembrerebbe che sia stata proprio questa ricerca accanita del nuovo a impedire\nl’evolversi naturale dell’arte, a bloccarla, portandola a una stasi. Infatti, risulta molto strano che\nnell’arco di un secolo nessuna di queste correnti artistiche che si sono susseguite si sia consolidata\nin modo stabile e duraturo, generando una scuola o un sentire comune, come \u00e8 sempre avvenuto. Ha\ngenerato invece un particolare tipo di artista, mosso solo dal mito della personalit\u00e0, dal desiderio di\ndistinguersi dagli altri e di essere originale.

\nLa ricerca del nuovo ha portato, purtroppo, con troppa fretta e una certa arroganza a sbarazzarsi del\npassato, a troncare i rapporti con esso, a non tenere conto e a ignorare le fatiche e i risultati\nraggiunti dai nostri grandi predecessori. \u00c8 fondamentale riconoscere che nell’arte il passato \u00e8\nprofondamente intrecciato con il presente e il futuro.

\nAlcuni esempi concreti possono illustrare meglio questo concetto. Immaginiamo di avere una pianta\ndi rose: il nostro compito sarebbe semplicemente quello di innaffiarne le radici se desideriamo che\nproduca nuovi fiori. Tuttavia, se decidessimo di tagliare le radici, la pianta appassirebbe presto. Allo\nstesso modo, l’arte deve essere saldamente ancorata alle nostre radici, alla tradizione, se vogliamo\nche dia vita a nuove forme espressive.

\nAnalogamente, se un bambino volesse ignorare l’esperienza del padre col pretesto che \u00e8 pi\u00f9\nanziano, come potrebbe crescere? Dove troverebbe l’energia e la saggezza per maturare? Non \u00e8 utile\neliminare il vecchio a favore del nuovo; piuttosto, entrambi devono coesistere, proprio come\nnell’uomo adulto vive ancora il bambino da cui ha avuto origine. Come afferma Jury Tynj\u0101nov: “Il\nvecchio permane nel nuovo; non solo viene riconosciuto, ma acquista un significato nuovo, una\nfunzione diversa” (Jury Tynj\u0101nov, Avanguardia e tradizione<\/i>, Dedalo Libri, 1968).

\nL’arte contemporanea, col pretesto di raggiungere l’arte “pura”, ha eliminato purtroppo numerose\ndiscipline utilissime e secolari, quali l’anatomia, la prospettiva, la tecnica pittorica e lo studio della\ngeometria del corpo umano. Ci\u00f2 ha portato a un vuoto espressivo e alla stagnazione dell’arte stessa.

\nSicuramente, in ogni epoca, l’arte ha sempre espresso idee nuove, ma lo ha fatto attraverso un\nelemento fondamentale che non poteva e non doveva cambiare: il linguaggio e la grammatica. Non\n\u00e8 cambiando il linguaggio che si possono dire cose nuove, ma semmai cambiando il contenuto.\nInfatti, una banalit\u00e0 rimane sempre tale, sia che venga espressa con un linguaggio nuovo, sia con un\nlinguaggio vecchio. Il linguaggio, anzi, dovrebbe rimanere, per quanto possibile, intatto e dovrebbe\nessere quello conosciuto da tutti per favorirne la comprensione e la lettura. Nel campo delle arti,\ninvece, \u00e8 accaduto l’opposto, per cui si \u00e8 cambiato spesso solo il linguaggio inventato dagli artisti\nstessi e conosciuto solo da loro, i quali poi hanno avuto la pretesa che lo potessero comprendere\ntutti.

\nMolti di questi inconvenienti sono attribuibili al movimento filosofico-estetico noto come\n“modernismo”, nato tra la fine del XIX secolo e l’inizio del XX. Il modernismo, contrariamente a\nquanto si crede comunemente, \u00e8 stato il principale ostacolo alla vera innovazione artistica, poich\u00e9\nha tentato di costruire qualcosa di nuovo sulle macerie della tradizione che esso stesso ha distrutto.\nIn questo contesto, le parole del filosofo Joseph De Maistre risuonano con una forza ancora\nmaggiore: “Distruggere non significa costruire”.

\nSarebbe utile e opportuno comprendere le ragioni che muovono le correnti artistiche del XX secolo.\nEsse essenzialmente hanno lo scopo di sopprimere la ragione per liberare le forze istintive e\npassionali dell’artista. Tuttavia, la ragione svolge un ruolo cruciale nell’armonizzare le varie\ncomponenti dell’animo umano. Funge da moderatrice, disciplinando la parte concupiscibile e le\npassioni, mentre incoraggia attivamente la parte razionale.

\nSi \u00e8 cercato, quindi, di soffocare la ragione eliminando in particolar modo il realismo e, di\nconseguenza, la pittura figurativa, sostituendolo gradualmente con emozioni passeggere, ora\ndelicate ora violente, dall’Impressionismo al Fauvismo, all’Espressionismo, per passare poi\nall’Astrattismo, negando completamente l’immagine e approdando finalmente alle tele bianche di\nRobert Rauschemberg.

\nIl realismo richiede l’impiego costante della ragione, poich\u00e9 l’artista deve esplorare anche ambiti\nscientifici per rendere pi\u00f9 credibili le proprie rappresentazioni. Questo processo inizi\u00f2 gi\u00e0 dalla fine\ndell’Ottocento con l’Impressionismo, il quale cominci\u00f2 a discostarsi dal realismo, prediligendo solo\nl’emozione che la realt\u00e0 suscitava nell’animo dell’artista. Questo atteggiamento port\u00f2\nall’eliminazione del colore nero, compromettendo il chiaroscuro e appiattendo l’immagine. Nella\npittura tradizionale, invece, l’Impressionismo era gi\u00e0 presente, ma si manifestava giustamente solo\nnei bozzetti preliminari.

\nL’artista impressionista, spinto dall’urgenza di catturare l’attimo fuggente, abbandon\u00f2 la tecnica\nclassica delle sovrapposizioni di colori e velature, troppo lenta e laboriosa, a favore della pittura\n“alla prima”, pi\u00f9 rapida ma meno efficace.

\nCon la corrente del Cubismo, che vide la partecipazione di Picasso, Braque, Duchamp e Severini, si\ncompie inoltre un ulteriore passo verso l’appiattimento dell’immagine. Se poniamo davanti ai nostri\nocchi un oggetto di forma cubica, riusciamo a vederne solo tre facce, mentre le altre tre rimangono\nnascoste. Il pittore cubista, invece, ha la pretesa di mostrare contemporaneamente tutte e sei le facce\ndell’oggetto, ma per farlo \u00e8 costretto ad aprirlo, appiattendolo inevitabilmente. Lo stesso fa per il\nvolto umano: lo raffigura contemporaneamente sia di profilo sia di fronte, sovrapponendo le due\nimmagini e appiattendolo inevitabilmente.

\nLa mancanza di volume riduce il cubismo a un’arte decorativa, abbassandone il livello. Questo\nerrore \u00e8 stato sottolineato da Gino Severini nel suo libro Dal cubismo al classicismo<\/i> (Marchi e\nBertolli ed.). Severini non fu l’unico a rinnegare la corrente moderna a cui apparteneva. Lo stesso\nfecero anche Carlo Carr\u00e0 e De Chirico, il quale, abbandonata la metafisica, si avvicin\u00f2 al\nclassicismo ispirandosi a Rubens. In molte opere, infatti, aggiungeva alla firma la frase latina:\n“pictor classicum sum”.

\nCon l’Astrattismo, invece, il processo di appiattimento dell’immagine e il rifiuto della\nrappresentazione della realt\u00e0 \u00e8 totale. L’inventore dell’arte astratta fu Kandinskij, che non a caso si\nispir\u00f2 a correnti esoteriche e teosofiche, come fecero anche molti pittori simbolisti. Occorre inoltre\nricordare, per ultimo, la lettera che Pablo Picasso scrisse qualche tempo prima di morire al suo\namico Bernard Berenson, famoso critico d\u2019arte, pubblicata poi nella rivista Neue illustrierte\nWochenschau del 24 ottobre 1971, in cui confessa quanto segue: “Ho soddisfatto questi amatori del\nnuovo e dell’eccentrico con gli sghiribizzi che mi passavano per la testa e, quanto meno li\ncomprendevano, tanto pi\u00f9 li ammiravano! Divertendomi con questi giochetti, divenni ricco e\ncelebre, e questo assai presto. Ma quando sono solo con me stesso, non ho il coraggio di ritenermi\nun artista nel significato grande e nobile della parola. Sono solo un pubblico burlone che capisce il\nsuo tempo e ha sfruttato la stupidit\u00e0, la vanit\u00e0 e l’avidit\u00e0 dei suoi contemporanei”. (Il testo di questa\nlettera si trova anche nel libro di Giovanni Chimirri, Estetica e morale<\/i>, ed. EDB Bologna, e nel\nlibro di N. Petruzzelis, Ricerca filosofica e pensiero teologico<\/i> – Citt\u00e0 del Vaticano, 1982).

\nIn un contesto contemporaneo segnato da una fede indebolita e dall’influenza di correnti artistiche\nconfuse, l’arte sacra ne ha inevitabilmente risentito. Tuttavia, \u00e8 essenziale per chi opera in questo\ncampo possedere una fede autentica e profondamente radicata, capace di generare solide virt\u00f9\ntangibili.

\nSono proprio queste virt\u00f9 che dovranno condurre l’artista a un atteggiamento umile e rispettoso per\nla tradizione, senza cedere alla smania di gloria o all’avidit\u00e0 di lauti guadagni.

\nSolo con questo approccio l’artista pu\u00f2 intraprendere sentieri inesplorati, affrontare e superare le\nenormi sfide insite nella creazione di un’arte sacra veramente degna di questo nome.

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...dello stesso Autore <\/h4>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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...articoli recenti<\/h4>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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\n\t\t\t\n\t\t\t\tMario Mascia: La Potenza nella Virt\u00f9 dell\u2019essere\t\t\t<\/a>\n\t\t<\/div>\n\n\t\t
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\n\t\t\t\tLa consapevolezza delle virt\u00f9 intrinseche nell\u2019essere umano si scopre nel potenziale intimo dell\u2019essere attraverso la realizzazione dell\u2019eccellenza dell\u2019integrit\u00e0 rivelata nella virt\u00f9. La realizzazione delle proprie capacit\u00e0 si realizza sulle basi ...\t\t\t<\/div>\n\t\t\n\t\t\n\t<\/div>\n\n<\/div>\n
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\n\t\t\t\n\t\t\t\tArch. Pio Daniele Mizzau: La Luce nelle chiese pre-conciliari e post-conciliari: il tramonto del sacro\t\t\t<\/a>\n\t\t<\/div>\n\n\t\t
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\n\t\t\t\tL\u2019architettura sacra pre-conciliare si \u00e8 fondata per quasi due millenni sul concetto inviolabile di \u201csacro recinto\u201d (fanum): un\u2019oasi di totale alterit\u00e0 e frattura ontologica tra l\u2019immanenza del profano e la ...\t\t\t<\/div>\n\t\t\n\t\t\n\t<\/div>\n\n<\/div>\n
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\n\t\t\t\n\t\t\t\tArch. Pio Daniele Mizzau: La Chiesa in piedi: il senso profondo degli inginocchiatoi scomparsi\t\t\t<\/a>\n\t\t<\/div>\n\n\t\t
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